Steve McCurry

Steve McCurry est né en 1950 à Philadelphie en Pennsylvanie et réside à New York, sur Manhattan. Il fit des études au Collège d'Art et d'Architecture de l'Université d'État de Pennsylvanie. A 19 ans, il passe une année à voyager en Europe, travaillant comme serveur à Amsterdam et à Stockholm. Il est ensuite parti à la découverte de l'Amérique du sud, puis de l'Afrique.
MCCurry a donc trouvé un métier qui lui permette de concrétiser cette envie de voyager. Il débuta sa carrière en travaillant deux ans dans un journal qu'il quitta pour partir en Inde en 1978, en tant que photographe indépendant.
Sa carrière prend de l'essor en 1979, lorsque déguisé en Afghan, il passe la frontière du Pakistan et atteint le territoire afghan sous contrôle des rebelles, peu avant son invasion pas les russes.
Il ramène avec lui des pellicules cousues sous ses vêtements et des images qui seront publiées dans le monde entier : elle sont les premières à mettre en scène le conflit agitant cette région.
Ce reportage lui vaut la médaille d'or Robert Capa dans la catégorie "Meilleur Reportage à l'Étranger", consacrant les photographes témoignant d'un courage et d'un esprit initiative exceptionnels.
Il s'est également distingué pour ses photos d'Asie du Sud Est, où se conjuguent beauté émotion et intensité.
Il s'intéresse principalement aux conséquences humaines de la guerre, montrant non seulement ce qu'elle imprime sur les paysages, mais surtout sur les visages.
McCurry travaille depuis de nombreuses années pour National Geographic et est memebre de l'agence Magnum Photo depuis 1986

wally Wood

William Gaines, directeur d'EC : « Wally a dû être notre auteur le plus bizarre... Je ne prétend pas faire un rapport entre les deux, mais il a aussi peut-être été le plus brillant. »

Dès son plus jeune âge, Wallace Allan Wood lit et dessine des bandes dessinées. Ses premiers travaux sont très influencés par Roy Crane. En 1944, il quitte avec succès le lycée et se dirige vers la marine marchande pour la fin de la Seconde Guerre mondiale.
En 1948, il suit des cours à la Cartoonists and Illustrators School.
Son premier travail professionnel a été de lettrer des bandes dessinées sentimentales pour Fox en 1948. Ça a duré environ un an. Il commence aussi à faire des décors, et à encrer surtout des histoires à caractère sentimentales. Il reçoit cinq dollars pour une page et deux fois par semaine, il encre dix pages en une journée. Il travaille la même année comme assistant de George Wunder, qui avait repris la série de Milton Caniff Terry et les pirates.
Toujours pour Fox, il publie sa première histoire fin 1948 , « The Tip-off woman » dans le fascicule western Women Outlaws no 4 (daté de janvier 1949). Son histoire suivante est publiée dans My confession no 7 (août 1949).
Il débute avec EC Comics, l'éditeur chez lequel il deviendra célèbre, en avril 1950, comme co-dessinateur et co-encreur (avec Harry Harrison, de « Too busy for love », une histoire de sept pages publiée dans Modern Love no 5, et comme dessinateur à part entière de la principale histoire du fascicule Saddle Romances no 1 : « I was just a playtime cowgirl », encrée par Harrison.
Wood travaille ensuite pour tous les plus grands editeurs (Marvel, DC comics, etc)
Souffrant d'insuffisance rénale à partir du début des années 1970, ayant perdu la vue d'un œil après une attaque cardiaque en 1978, Wood, face au déclin de sa santé, malgré la reconnaissance de ses pairs, se suicide par balle en 1981.

Il reçoit de nombreux prix dont deux Alley Awards en 1965 (meilleur dessin) et 1966 (meilleur encrage), et le prix du meilleur dessinateur étranger au festival d'Angoulême en 1977.

Edgar Degas

Hilaire Germain Edgar de Gas dit Edgar Degas 19/07/1834-27/09/1917 est un peintre, graveur, sculpteur et photographe français.
En 1855, il commence à prendre des cours à l'École des Beaux-Arts de Paris. Il entreprend cependant de nombreux voyages en Italie de 1856 à 1860 pour approcher directement l'art des grands maîtres.
Ses oeuvres de jeunesse comptent quelques peintures d'inspiration néoclassique, mais surtout de nombreux portraits des membres de sa famille.
De 1865 à 1870, il propose au Salon, son oeuvre en cours. De 1874 à 1886, il confie des oeuvres aux expositions impressionnistes, à l'organisation desquelles il participe activement. Cependant, Edgar Degas est un indépendant, aux réactions affirmées, qui se profile comme un impressionniste "à part", manifestant son hostilité à la peinture en plein air.
En 1880, alors que sa vue commence à décliner, Degas privilégie le pastel, auquel il mêle parfois l'aquarelle et la gouache. Les tableaux de cette époque témoignent d'un travail très moderne sur l'expressivité de la couleur et de la ligne.
A la fin des années 1890, presque aveugle, il se consacre presque exclusivement à la sculpture.

Paul Cézanne

Paul Cézanne naît a Aix-en-Provence en 1839 dans une famille relativement aisée, son père a d'ailleurs crée une banque. Il fréquente le collège Bourbon (devenu lycée Mignet), où il se lie d'amitié avec Émile Zola. Il entreprend sans enthousiasme des études de droit à l'Université d'Aix. Il suit des cours à l'École de Dessin et aménage un atelier au Jas de Bouffan, résidence que son père a achetée. Il se rend une première fois à Paris en avril 1861, poussé par son ami Zola, mais n'y reste que quelques mois et retourne dans le domaine familial à l'automne, inaugurant ainsi une série d'allers-retours entre la ville-lumière et la Provence qu'il a du mal a quitter.

En 1862, il abandonne néanmoins la carrière juridique et s'établit à Paris. Il travaille à l'Académie Suisse et y rencontre Camille Pissarro, Pierre-Auguste Renoir, Claude Monet, Alfred Sisley et un autre Aixois, Achille Emperaire, dont il fera plus tard un portrait, resté célèbre. Il est refusé à l'École des Beaux-Arts en raison d'un tempérament jugé par trop excessif.
Il reste très lié avec son ami Émile Zola avec qui il entretient une importante correspondance.
Il ne veut pas ressembler aux autres, se détache le plus possible du mouvement impressionniste, parle avec un fort accent provençal, et fuit les exhibitions. Il prône sans cesse que la peinture doit être faite en extérieur, d'après nature et non dans des galeries. A l'époque, les artistes parisiens passent beaucoup de temps a copier les œuvres des grands maîtres au Louvre.
En 1886, il se brouille et rompt tout contact avec Zola qui lui a envoyé son roman "L'Œuvre", (racontant l'histoire d'un peintre maudit et pourchassé par le destin incapable d'achever sa "grande œuvre") que le peintre a inspiré. Il écrivait « Paul peut avoir le génie d'un grand peintre, il n'aura jamais le génie de le devenir. »
Il semble que Paul Cézanne en ait souffert si l'on tient compte du chagrin dont il fera preuve à l'annonce de la mort d'Emile Zola et lors de l'inauguration d'une statue à l'image de l'écrivain au début de 1906.
Il mourra la même année d'une pneumonie, après avoir été ramené chez lui inconscient par des charretiers.

Franquin

André Franquin(3/01/1924- 05/01/1997) est un auteur Belge francophone de Bande Dessinée.
A l'instar d'Hergé, dans le journal de Tintin, il est l'un des pilliers de la bande déssinée belge des années 50 aux années 70.
Il a oeuvré pendant des années aux cotés de Peyo, Morris et Will dans Le Journal de Spirou.
Il se distingue par la qualité de ses dessins, notamment dans le rendu des mouvements et l'expression des personnages, ainsi que par l'inventivité de son humour, souvent teinté de poésie.
Il a travaillé à une période où la bande dessinée était essentiellement destinée aux enfants, il réalisa donc des histoires destinées à ce public, mais inséra des détails qui n'apparaissent qu'avec une lecture plus approfondie. Il développa ce principe avec Gaston Lagaffe, son personnage le plus célèbre.
Il réalisera à la fin de sa carrière des bandes dessinées "plus adultes" avec Idées Noires et le magazine Fluide Glacial.
Dans les Idées Noires, Franquin aborde des thèmes qu'il écorche à vif : chasseurs, militaires, industriels, technocratie, religions, suicide, déprime, écologie...
Les planches sont réalisées en noir et blanc et dans un style très particulier. Les personnages prennent l'apparence d'ombres à peine illuminées par quelques portions ou traits blancs venant imposer un relief, une texture. Le dessin est gribouillé, nerveux et agressif mais ô combien maitrisé. Les gags en une planche fonctionnent sur le mode de la chute et prennent un ton délibérément cruel et pessimiste. Son album des idées noires est considéré comme un chef d'œuvre de la Bande Dessinée.

Invader

Réalisé à l'aide Rubick's cubes.

Invader, ou Space Invader, est un artiste urbain français, né en 1969. Il est connu pour s'être immiscé peu à peu depuis la toute fin des années 1990 dans les interstices de l'espace urbain ou péri-urbain de mégalopoles comme Los Angeles ou Hong Kong, de capitales comme Paris ou Berne, mais aussi de villes plus modestes comme Grenoble (décembre 1999) ou Avignon (juin 2000) en posant de petites mosaïques inspirées de jeux vidéo des années 1970-1980, dont en particulier Space Invaders, à des endroits la plupart du temps peu accessibles. La pose de ces figures, mi-vaisseaux, mi-visages, effectuée le plus souvent sans accord formel préalable avec le propriétaire de l'espace concerné, constitue ce qu'il appelle l'« invasion ».
Les mosaïques de cet artiste représentent des personnages d’un célèbre jeu vidéo édité par Taito en 1978, Space Invaders qui devint en 1980 un des premiers jeux à très grand succès sur la console Atari 2600. Du fait de la technologie élémentaire de l’époque, ils sont très pixelisés et donc reproductibles en mosaïque : chaque pixel est ainsi assigné à un carreau. Invader a prolongé, avec le « rubikcubisme » cette démarche d'échantillonnage coloré en reproduisant des motifs uniquement grâce aux six couleurs disponible sur un rubick's cube.
Aucune de ses mosaïques n’est posée au hasard, les lieux sont choisis selon divers critères qui peuvent être esthétiques, stratégiques ou conceptuels. La fréquentation en est un : l’artiste avoue avoir un penchant pour les sites où les gens affluent, mais aussi pour des recoins plus cachés. Le cas de Montpellier est particulier : les envahisseurs ont été placés de manière à faire apparaitre un grand Space invader lorsqu’on les place sur le plan de la ville.
Invader a aussi eu l'occasion d'adapter son travail urbain à la galerie puisqu'il a exposé dans des galeries et musées prestigieux aux quatre coins du monde. Il réalise des « tableaux-pixel » de PacMan et de Pong, beaucoup plus complexes que les mosaïques posées dans les rues. Depuis 2005, il a fondé le mouvement « RubikCubiste » où il utilise des Rubik's Cubes pour donner du volume aux Space invaders et autres icônes comme une série de portraits de « Bad Men ».

Erwin Wurm

Erwin Wurm, né en 1954, est un artiste Autrichien qui vit et travaille à Viennes.
Sculpteur à l'origine, il s'inspire dans ses dessins, photographies et vidéos, de nos rapports avec les objets usuels dont il détourne l'usage. Attentif aux petits gestes et à l'absurdité du quotidien, le travail de Wurm développe une analyse de la sculpture - de son volume, de son poids, de l'équilibre, du déséquilibre - qui devient pour lui une manière de vivre, de mettre en scène, de perturber les codes et les habitudes.
Avec ses célèbres "One Minute Sculptures (1997), Erwin propose une version originale de la sculpture dans laquelle des actions humaines habituelles sont modifiées, décalées ou détournées pour un bref instants.
L'oeuvre d'Erwin Wurm questionne la sculpture contemporaine : une sculpture qui délaisse les techniques traditionnelles et défie les règles et les habitudes. Il réinterprète les objets et les situations du quotidien en boulversant nos repères. Les objets sont ainsi détournés de leur fonction et les situations sont incongrues.
Ses derniers travaux interrogent la société de consommation, montrant des personnages difformes, des voitures ou des maisons boursouflées.

Amedeo Modigliani

Peintre et sculpteur italien, Amedeo Modigliani a une fascination pour les masques africains et l'art primitif. Il se perfectionne dans la ligne, maîtrisant la simplicité et la grâce de ses formes, utilisant des couleurs délicates et des distorsions du corps afin de mettre en évidence la personnalité de ses modèles.
Modigliani est né le 2 juillet 1884 en Italie. Cadet d'une riche famille juive, il est élevé dans l'austérité. Sa mère cependant l'encourage à développer ses talents artistiques et il quitte la maison à l'âge de 17 ans pour Florence puis Venise où il étudiera l'art.
Cinq ans plus, en 1906, il arrive à Paris. Il rencontre des personnalités du grand art avant-gardiste comme Picasso, Jean Cocteau et Soutine. Ses premiers travaux montrent un intérêt plutôt moyen pour le Cubisme qui débute à peine, et il développe plus d'affinités avec Lautrec, Steinlen et "le Picasso de la période bleue". Les femmes sont très attirées par lui et en retour il est fasciné par elles. Les portraits et les nues constitueront l'essentiel de son œuvre.
Il rencontre sa femme Jeanne Heburtene, une jeune artiste en 1917. Sa vie devient alors plus stable. En Novembre 1918, sa fille Jeanne Modigliani naît.
Amedeo Modigliani meurt à l'hôpital de la charité le 24 janvier 1920 de la tuberculose. Sa femme enceinte se suicidera le jour suivant.

Egon Schiele

Egon Schiele (12/06/1890-31/10/1918) est un peintre et dessinateur autrichien.
Ses premiers travaux s'inspirent de l'impressionnisme mais très vite, il est attiré par la Sécession Viennoise.
Son travail est alors marqué par les travaux de Gustav Klimt. Mais d'autres influences, telles que celles de Van Gogh, de Hodler, et de Georges Minne jouent aussi un rôle essentiel dans l'évolution et la construction de son style.
C'est à partir de 1910 qu'il commence donc à affirmer ce style plus personnel, caractérisé par le dépouillement de la forme, la sobriété du contenu, l'utilisation d'arrière plans sans ornement, sur lequel le personnage ou le sujet se détache.
Egon Schiele dessine vite. Il a un "coup de crayon" qui constitue une caractéristique à part entière de son art. Pour lui, le dessin a une valeur pour son côté allusif, immédiat, spontané, inachevé. La coloration des dessins ne sert qu'à renforcer l'expression qu'il veut donner au sujet

Paul Gauguin

Paul Gauguin est ne a Paris le 7 juin 1848. Il passe son enfance a Lima ou son pere, mort durant le voyage, fuyait le régime politique de Napoléon III auteur du coup d'Etat lui confortant son pouvoir la même année. À son retour en France en 1870, il se convertit en agent de change à la Bourse à Paris et connaît un certain succès dans ses affaires. Il partage alors une vie bourgeoise confortable avec sa femme et leurs cinq enfants.
Son tuteur, Gustave Arosa, homme d'affaires et grand amateur d'art, introduit Gauguin auprès des impressionnistes. En 1874, il fait la connaissance du peintre Camille Pissarro et voit la première exposition du courant impressionniste.
En 1882, il abandonne son emploi à la bourse (qui est dans une phase de mauvaise conjoncture) pour se consacrer à sa nouvelle passion, la peinture. De janvier à novembre 1884, il s'établit à Rouen, où Pissarro, qui l'avait guidé dans son approche de l'Impressionnisme, vivait également. Pendant ces 10 mois passés à Rouen, il réalise près de 40 tableaux, principalement des vues de la ville et de ses alentours. Cela ne suffit pas pour vivre et il part vivre avec sa femme et ses enfants dans la famille de celle-ci à Copenhague. Le courant passe mal avec la belle-famille et ses affaires ne vont pas bien. Il décide de retourner à Paris en 1885 pour peindre à plein temps, laissant femme et enfants au Danemark, n'ayant pas les moyens d'assurer leur subsistance.
En 1886, Gauguin effectue son premier séjour à Pont-Aven en Bretagne, où il rencontre Émile Bernard, le tenant du cloisonnisme. De retour à Paris, il rencontre pour la première fois Vincent Van Gogh en novembre de la même année. Les deux amis sont très sensibles, connaissent des moments de dépression et Gauguin, comme Van Gogh, tentera de se suicider plus tard. Leur cohabitation tourne mal et se termine sur le fameux épisode de l'oreille coupée de Van Gogh.
En 1891, ruiné, il fuit Paris et la culture occidentale pour la Polynésie. Les caractéristiques essentielles de sa peinture (dont l'utilisation de grandes surfaces de couleurs vives) ne connaissent pas beaucoup de changements. Il soigne particulièrement l'expressivité des couleurs, la recherche de la perspective et l'utilisation de formes pleines et volumineuses. Influencé par l'environnement tropical et la culture polynésienne, son œuvre gagne en force, il peint ses plus beaux tableaux. Fatigué et malade il meurt aux îles Marquises en 1903.

En marge des Impressionnistes, Gauguin fut sans doute, avec Paul Cézanne et Vincent Van Gogh, le peintre de cette fin de XIXe siècle qui eut le plus d'influence sur les mouvements de peinture du XXe siècle. Cette influence réside probablement moins dans sa peinture que dans ses écrits, lesquels contiennent des formules qui, comme le dit Léon Gard, « flattent ce penchant des hommes pour les recettes mirifiques, en même temps que leurs instincts de garnements déchaînés qui se saoulent d'indiscipline » « Comment voyez-vous cet arbre ? Écrivait Gauguin, Vert? Mettez-donc le plus beau vert de votre palette; et cette ombre? Plutôt bleue? Ne craignez pas de la peindre aussi bleue que possible », ou encore : « Ne copiez pas trop d'après nature. L'art est une abstraction. » ou encore : « Vous connaissez depuis longtemps ce que j'ai voulu établir : le droit de tout oser.»

Henri de Toulouse-Lautrec

Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec (24/11/1864-09/09/1901) est un peintre Post-Impressionniste, un illustrateur de l'Art nouveau et un remarquable lithographe français.
Il a croqué le mode de vie de la Bohème parisienne à la fin du XIXe siècle.
Henri de Toulouse-Lautrec eut une enfance heureuse jusqu'au moment où, par suite de la consanguinité de ses parents, débuta en 1874 une maladie qui affectait le développement des os, la pycnodysostose. Ses os étaient fragiles et entre mai 1878 et août 1879, il souffrit d'une fracture au fémur à chaque jambe, qui l'empêcha de grandir au-delà d'une taille de 1,52 m.
Au milieu des années 1890, il a contribué par des illustrations à l'hebdomadaire humoristique Le Rire.
On le considérait comme "L'âme de Montmartre", quartier parisien dans lequel il habitait.
Ses peintures dépeignent la vie au Moulin Rouge et dans d'autres cabarets et théatres montmartois ou parisiens, il peint Aristide Bruant ainsi que dans des maisons closes qu'il fréquentait et où peut être il contracta la syphilis. Trois des femmes bien connues qu'il a représentées étaient Jane Avril, la chanteuse Yvette Guilbert, et Louise Weber, plus connue comme La Goulue, danseuse excentrique qui créa le "cancan".
Alcoolique pendant la plus grande partie de sa vie d’adulte (il avait coutume de mélanger à son absinthe quotidienne du cognac au mépris des convenances de l'époque), il entra dans un sanatorium peu avant sa mort à Malromé, la propriété de sa mère, à la suite de complications dues à l’alcoolisme et à la syphilis, à près de 37 ans.

Edvard Munch

Edvard Munch peut être considéré comme le pionnier de l'expressionnisme dans la peinture moderne. Il est très tôt réputé pour son appartenance à une nouvelle époque artistique en Allemagne et en Europe centrale, et son œuvre et son importance sont aujourd'hui reconnues en Europe et dans le monde. Les œuvres de Munch les plus connues sont celles des années 1890, notamment Le Cri. Sa production ultérieure attire toutefois de plus en plus d'attention et semble inspirer tout spécialement les artistes actuels.
Sa mère meurt de la tuberculose lorsqu'il n'a que cinq ans et une suite de tragédies suit la famille ; il perdra son frère et sa sœur aînée. Sa petite sœur est diagnostiquée comme ayant la mélancolie (dépression). Le travail de Munch sera marqué par la tristesse, la maladie et la douleur.
Munch étudie une année à l'école technique avant de se consacrer très sérieusement à l'art. Il étudie les anciens maîtres, suit le cours de dessin de nu à l'école royale de dessin et obtient pendant un temps la correction du plus grand naturaliste norvégien de l'époque, Christian Krohg. Ses premières œuvres sont imprégnées d'un réalisme inspiré du réalisme français, et rapidement il se révèle comme un grand talent.
En 1889 il est expose dans une galerie a Oslo, et reçoit une bourse d'artiste pour 3 ans. C'est époque est marquée par le mouvement Post-Impressionnisme et Munch le reçoit comme un acte libérateur. Il dit :

L'appareil photo ne peut pas concurrencer le pinceau et la palette, tant que l'on ne peut pas l'utiliser au Paradis ou en Enfer.

Il part alors pour Paris ou il devient l'élève de Léon Bonnat. Peu après son arrivée, Munch reçoit la nouvelle de la mort de son père. C'est dans ce contexte que l'on interprète souvent la solitude et la mélancolie de son tableau Nuit (1890). L'intérieur sombre avec la seule figure à la fenêtre est totalement dominée par les tons bleus. Cette œuvre moderne et unique est aussi une expression de la « décadence » des dernières années du XIXe siècle.
En 1908, souffrant de dépression et d'hallucinations, il séjourne six mois dans une clinique à Copenhague. Le tableau La mort de Marat (1907) laisse apparaître des sentiments de mort. En 1916 Munch achète une confortable maison à Skoyen, près d'Oslo. Il y mène une existence solitaire, mais apaisée, très honoré, et il continue à peindre. Durant sa vieillesse, il a des problèmes oculaires (hémorragie du vitré) avec la vision de corps flottants importants qu'il a représentés dans certains de ses tableaux.
Edvard Munch est décédé à Ekely, près d'Oslo en Norvège le 23 janvier 1944, un mois après ses 80 ans. Il lègue environ un millier de tableaux, 4 500 dessins et aquarelles et six sculptures à la ville d'Oslo.

Vassily Kandisky

Cercles dans un cercle-1923.

Vassily Kandinsky (4/12/1866-13/12/1944) est un peintre russe et un théoricien de l'art. Il était notamment peintre, aquarelliste, dessinateur, graveur, illustrateur, peintre de décors et de costumes de ballets.
Il a commencé son oeuvre dans le courant expressionniste et l'a fini dans le courant abstrait. Considéré comme l'un des artistes les plus importants du XXe siècle aux cotés de Picasso et de Matisse, il est le fondateur de l'art abstrait : il est généralement considéré comme étant l'auteur de la première œuvre non figurative de l'histoire de l'art moderne, une aquarelle de 1910 qui sera dite "abstraite".
La création par Kandinsky d'une œuvre purement abstraite n'est pas intervenue comme un changement abrupt. Elle est le fruit d'un long développement, d'une longue maturation et d'une intense réflexion théorique basée sur son expérience personnelle de peintre et sur l'élan de son esprit vers la beauté intérieure. Il appelait ce profond désir spirituel "la nécessité intérieure" et la tenait comme un principe essentiel de l'art.

Irina Werning

"We never seem to notice the slight changes in our faces when we look at a mirror every day. Only old photographs constantly remind us that we’ve changed."

Irina Werning, photographe née a Buenos Aires, a débuté un intéressant projet qu'elle appelle “Back to The Future” : elle prend de vieilles photographies de personnes et recrée la même scène avec la même personne aujourd'hui.
Bien que cela ne semble pas bien compliqué, elle est incroyablement pointilleuse et précise et réussit un remarquable travail.

"J'adore les vieilles photos. Je suis une photographe de nature curieuse. Dès que je mets les pieds dans la maison de quelqu'un, je commence à fouiller du regard en recherches de vieilles photos. La plupart d'entre nous sont fascinés par le look rétro des vieilles photos, mais pour moi, la fascination est d'imaginer a quoi ces personnes ressembleraient et ce qu'elles ressentiraient en se transposant dans le passé. Alors il y a quelques mois, j'ai décidé de le faire. Et avec mon appareil photo, j'ai commencé a inviter des gens à recréer des scènes du passe. Ce projet me fait réaliser à quel point je peux être obsessionnelle..."

Roy Lichtenstein

Roy Fox Lichtenstein (27/10/1923 - 29/09/1997) est un des artistes les plus importants du mouvement pop art américain. Ses œuvres s'inspirent de la publicité et de l'imagerie populaire de son époque, ainsi que des "comics".
A la fin des année 50, alors que l'Amérique est encore dominée par l'expressionnisme abstrait, le pop art explose sous l'impulsion d'initiatives individuelles, utilisant la culture populaire de son temps - objets ordinaires, produits de consommation, images publicitaires - pour produire des œuvres d'art.
Lichtenstein puise son inspiration dans les comics américains - personnages stylisés contours noirs, couleur saturées- pour réaliser ses œuvres les plus connues comme Look Mickey! (1961) ou Waahm! (1963).
Reconnaissables au premier coup d'œil, elles sont marquées d'une grande ironie à l'égard des symboles américains - héroïnes blondes au maquillage outrancier, crashs de voitures... - révélant sous une apparente légèreté un artiste profondément subversif.
Évoluant ensuite vers des oeuvres plus neutres, moins connues du public, Lichtenstein revisite le siècle et s'inspire des ses aînés, comme Matisse, The Dance (1974), ou Van Gogh, Chambre à Arles (1992)

Thomas Hart Benton

Thomas Hart Benton (15 avril 1889 - 19 janvier 1975) est un peintre et muraliste américain connu pour son style fluide et ses toiles représentant des scènes de la vie quotidienne du Midwest. Benton est né à Neosho d'un père avocat et représentant au Congrès américain. Dans sa jeunesse, il travailla comme dessinateur pour le journal de Joplin, le Joplin American, où il travaille en tant que cartoonist. En 1907, il entre à l'Art Institute of Chicago puis part pour Paris en 1909 afin de parfaire sa formation artistique à l'Académie Julian. À Paris, Benton rencontre d'autres artistes nord-américains tels que Diego Rivera et Stanton Macdonald-Wright. Il revient à New York en 1913 et continue à peindre. En 1935, il part enseigner au Kansas City Art Institute à Kansas City . Là, il peint des scènes rurales et agricoles.
Il fut aussi l'un des enseignants du célèbre peintre Jackson Pollock au sein de la Art Students League de New York dans les années 1930.

Keith Haring

Keith Haring est né en 1958 en Pennsylvanie. Très tôt, il développe un don pour le dessin ; il sera guidé et encouragé par son père et dessinera de nombreux personnages animés. Son père le pousse à créer ses propres personnages, plutôt que de recopier ceux existants.
Plus tard, il étudie à l'Ivy School Professional Art of Pittsburgh et réalise qu'il ne veut pas devenir graphiste ni travailler dans la pub et déménage la même année pour New York ou il intègre la School of Visual Art (SVA).
Il commence à dessiner dans le métro et dans la rue avec le désire d'amener le musée dans la rue, considérant que peu de gens rentrent dans des musées. Il est l'un des précurseurs du mouvement Street Art.
Il rencontre Jean Michel Basquiat et Andy Warhol avec qui il se lie d'amitié et commence à être reconnu dans le monde de l'Art. En 1986, il est le sujet de plus de 40 articles dans les journaux et magazines.
Il laisse sa signature sur de nombreuses fresques partout dans le monde, il peindra au Japon, en Angleterre, en Allemagne, en France, en Espagne, au Brésil et largement aux États-Unis.
Keith Haring meurt à 31 ans du sida en ayant réalisé une œuvre d'une productivité gigantesque.

Raoul Giordan

Né le 22 février 1926 à Nice, Raoul Giordan a débuté dans la Bande Dessinée en 1946 avec son frère aîné Robert, en créant des histoires policières.
En 1953 leurs chemin se séparent et Raoul entame la série interstellaire de Météor. Les deux frères continuent tout de même a utiliser une signature commune RR Giordan, dans leurs séries respectives.
Ses planches étaient souvent somptueusement décoratives, extrêmement imaginative dans la description de formes de vies exotiques.
Vers 1980, après avoir adapté de nombreux romans dont Fleuve noir (anticipation) pour Aredit, il déserta la Bande Dessinée pour se consacrer à la peinture, essentiellement de paysages, mais aussi dans un style proche de la "fantasy".
Il réalise plusieurs tableaux mettant en scène le trio de Météor.

John Stezaker

John Stezaker est né à Worcester (Angleterre) en 1949. Il débute son travail dans les années 70, en réaction au Pop Art américain alors en place. Il fait partie d'une première vague d'artistes conceptuels anglais. Son travail est inscrit dans un courant surréaliste et le plus souvent fabriqué à partir de collages qu'il trouve dans des cartes postales ou des photos de publicités.
L'art conceptuel est un mouvement contemporain qui apparaît dans les années 60. L'art n'est plus défini par l'esthétisme des oeuvres ou objets mais uniquement par le concept ou l'idée de l'art.

Gilbert Garcin

Gilbert Garcin est un photographe de Marseille (La Ciotat) qui commence la photographie à 60 ans après avoir gagné un concours pour un stage de photographie dans sa région.
Ses photos sont à chaque fois l'issue d'un montage (il découpe son propre personnage et le colle sur des maquettes) oû il se met en scène dans des paysages souvent irréels.
Ses photographies mèlent la condition humaine avec l'absurdité et l'humour.
La photographie ci-dessus est intitulée "La vie, (Résumé)".

Duane Hanson

Duane Hanson (17/01/1925-06/01/1996) est un sculpteur américain du courant de l'hyperréalisme.
Il a été un précurseur dans ce courant, puisqu'il réalise ce type de sculptures dès les années 60 et a été très vite remarqué comme l'un des représentants les plus doués.
Il réalise des personnages humains grandeur nature, en effectuant des moulages directement sur ses modèles vivants ("lifecasting"). Il privilégie la fibre de verre et la résine, ce qui lui offre la possibilité de reproduire les moindres finesse du corps humain, donnant ainsi vie à ses modèles avec une crédibilité toute nouvelle.
Hanson réussit à parfaire l'illusion de réalité quand il représente ses scènes hyperréalistes de la vie quotidienne américaine, véritable miroir de l'American way of life.
La plupart de ses sujets sont représentés à l'arrêt. A l'immobilité de la sculpture s'ajoute l'immobilité des individus, saisis dans un instant de pause, de repos.
La pause traduit chez Hanson une lassitude d'hommes et de femmes, aux épaules lourdes, tombantes, au regard abattu.
Ils sont au bord du rêve américain, au bord d'eux-même. Ils n'ont rien à faire, rien à dire, rien à penser.
Bruce Bégout, biographe de Hanson écrit : "Tout le monde, à un moment ou à un autre de son existence a été ou sera une figure de Hanson, un être soudainement figé sur place, perdu dans ses pensées, paralysé par un je ne sais quoi ... une sorte de torpeur existencielle qui rencoit à l'isolement de l'individu.".

Salvador Dali

Salvador Domingo Felipe Jacinto Dali i domènech, 1er Marquis de Pùbol, connu sous le nom de Salvador Dali (11/05/1904 -23/01/1989) est un artiste peintre surréaliste, sculpteur et cinéaste Espagnol.
Ce Catalan a eu un mauvais départ dans la vie : son frère est mort, il a pris la place d'un mort, aimait-il à dire.
Ses premières peintures conservées montrent un réel talent précoce, dès l'âge de 6 ans. Ses premiers portraits de sa famille à Cadaques ont déjà une force picturale étonnante, notamment impressionniste.
Il s'essaie à tous les styles, avant de découvrir la peinture métaphysique de Giorgio de Chirico et d'adopter sa manière lisse et fine.
Dali revendiquait une technique très classique, restant fidèle à la peinture à l'huile pour la quasi totalité de son oeuvre peinte. Le travail est presque toujours très minutieux, avec des dessins préparatoires très soignés et une execution méticuleuse, souvent à la loupe. Certaines œuvres minuscules témoignent d'un véritable talent de miniaturiste (Premier portrait de Gala, Portrait de Gala avec deux côtelettes d'agneau en équilibre sur l'épaule).
Grace à son compatriote Catalan Miro, il fait la connaissance en 1928 d'André Breton, et ayant rejoint le groupe surréaliste, développe son exploration de l'inconscient, à travers les thèmes de la putréfaction, des morphologies molles (les fameuse montres molles de Persistance de la mémoire, 1932) et des formes "spectrales".
Le thème de l'image double, voire multiple s'installe rapidement à partir des années 1930, il y restera attaché pendant l'essentiel de sa carrière. L'œil génial de Dali perçoit dans une image anodine, une autre image qu'il utilise comme support pour troubler la réalité et le sens de la toile ; L'homme invisible (1929) en est le premier exemple.
Jusqu'à la fin de la carrière, il s'attachera à jouer avec l'œil du spectateur.

Philippe Ramette

Philippe Ramette est un artiste plasticien français né a Auxerre en 1961.
Sculpteur avant tout, il crée des objets dont le propos n'est pas tant leur utilisation quotidienne que le processus de réflexion qu'ils engagent. Il produit des oeuvres comme Point de vue (installation, 1989) où il s'agit d'« imaginer ce qu'on pourrait voir ». Puis il décide de mettre en scène ses sculptures dans des photographies. Il crée des objets ou des situations improbables, pourtant il n'est en aucun cas question d'illustrer l'absurde, mais plutôt de construire de manière rationnelle une image irrationnelle. Ramette se met lui-même en scène dans son costume noir, il compose l'image d'un paysage dont il fera partie de façon extravagante, et visuellement étonnante ou renversante (au sens littéral). Il en produit les prises de vue en collaboration avec le photographe Marc Domage. Ces photographies ne subissent aucune retouche ou montage, car l'artiste cherche avant tout à garder le contact avec son travail de sculpteur. Ramette vit et travaille à Paris.

Petrus

Petrus est un sculpteur figuratif français né à Caen en 1943.
En 1977, il ouvre un atelier à Vallauris. La sculpture s'affine, ses oeuvres reflètent une recherche d'harmonie entre la matière et le corps en mouvement. Ses sculptures sur pierre sont toute réalisées en taille directe, y compris ses œuvres monumentales.
en 1983 il reçoit le Grand Prix Michel-Ange de la ville de Cannes pour sa sculpture "Le Baiser Renversé".
Il est également décoré de la Médaille d'Honneur de la Xème Biennale Azuréenne.
En 1994, il décide de fermer son atelier de Vallauris pour s'installer à Paris.
En 1995, il ouvre un atelier dans le 17ème arrondissement et décidera finalement en 1998 de s'installer à la Bastille.
L'artiste imprime désormais son imaginaire dans la pierre : les corps dansent, s'envolent ; les courbes et les lignes sont pures et élégantes.
Il continue à sculpter des bustes et des visages mais approfondit son étude sur le mouvement avec le thème de l'envol : dans ses sculptures plus récentes, le corps de la femme jaillit de la matière dans un élan infini. C'est dans cet esprit qu'il crée "Antigone", "La vénus au voile" et surtout "Le Cantique des Cantiques".

Robert Delaunay

Robert Delaunay (12 avril 1885-25 octobre 1941) est un peintre francais influencé par le Cubisme. Il réduira d'ailleurs pour un temps sa palette de couleurs au monochrome avant de développer avec sa femme Sonia Delaunay, une théorie personnelle de la couleur qui deviendra le Simultanéisme, basée sur la loi de contraste simultanée des couleurs d'Eugène Chevreul et très utilisée par les impressionnistes ; au lieu de mélanger du vert sur la palette (mélange mécanique), ils appliquent des touches de bleu et de jaune sur la toile et l'oeil opère un mélange optique.
Pour Delaunay, les couleurs harmonieuses suggèrent la lenteur, alors que les couleurs criardes soulignent la vitesse, le mouvement.
Le rythme alors imposé par les couleurs dans une dynamique de mouvement sera connu sous le nom d'un courant nouveau : l'Orphisme.

Nick Brandt

Nick Brandt est né et a grandi à Londres, où il a étudié le cinéma et la peinture à l'école des Art "St Martins". Il s'est installé aux Etats-Unis en 1992 et y a réalisé des clips vidéos pour des personnalités telles que Michael Jackson ("Earth Song", "Stranger in Moscow"), Moby, Badly Drawn Boy et Jewel.
Il débute sa carrière de photographe en 2000 en Afrique, où il va réaliser l'ensemble de son travail. Il veut laisser un dernier testament poétique des animaux sauvages avant qu'ils disparaissent.
Son premier ouvrage photographique On this Earth a été publié en 2005. Depuis 2004, il expose dans les plus grandes galerie de Londres, Berlin, Hambourg, New York, Los Angeles, Santa Fe, Sydney, Melbourne.
Passionné par la faune sauvage, Nick Brandt a réussi a imposer son regard singulier. Avec un parti-pris sur le plan de la prise de vue, sur le terrain, Nick Brandt va au plus près au des animaux. A pied ou en voiture, il veut saisir ses sujets dans leur intimité et compare sa démarche à celle d'un portraitiste.
Ses portraits noir et blancs donnent l'impression que les images datent d'une centaine d'années, sentiment accentué par le travail de retouche. Nick scanne directement les négatifs de ses photos et les retouche ensuite numériquement, sans jamais rajouter ou enlever d'animal. Le décor paraît souvent surréaliste, noyé dans le flou, adouci ou brûlé et les animaux semblent surgir de cet ensemble crépusculaire.
Son dernier ouvrage Afrique au Crépuscule est sorti le 15 Octobre 2009.

Jean Michel Basquiat

Believe it or not but I can actually draw.

Né d'un père Haïtien et d'une mère Porto ricaine, Jean Michel (Américain, 22 décembre 1960-14 août 1988) grandit à Brooklyn (New York). Enfant précoce, il apprend à lire à 4 ans. A 11 ans, Jean Michel est déjà trilingue (français, anglais, espagnol) et doué de sens artistique, sa mère l'encourage à le développer d'avantage.
A l'âge de 7 ans, il est renversé par une voiture, et souffre de multiples lésions, on lui retirera la rate. Pendant sa convalescence, sa mère lui offre "Gray's Anatomy", un célèbre manuel de médecine. Ce livre sera très important pour lui et on y retrouvera plus tard de nombreuses références dans beaucoup de ses peintures.
A 16 ans il quitte l'école avant l'obtention de son diplôme et sera mis à la porte par son père. Il vivra chez des amis et vendra des tee-shirts et des cartes postales. Il commence alors à taguer les murs de New York sous le pseudonyme "SAMO" (SAMe Old shit). C'est sa première vraie expérience artistique.
En 1980, il participe à une exhibition de jeunes artistes New Yorkais et en 1981, le magazine "Artforum" publie sur lui un article "The radiant child" (l'enfant radieux) dans lequel il se fait connaître au grand public. Il devient de plus en plus connu, gagne de l'argent, et tombe dans un état dépressif et parano, il est addict à l'héroïne.
Il se réalise dans une forme d'art primitif qui lui permet de souligner ironiquement les questions liées aux artistes noirs. Il dit "I am not a black artist, I am an artist". Il barre souvent d'un trait des mots ou phrases dans ses peintures pour éveiller la curiosite et l'intérêt et incite ainsi au déchiffrage.
Il sera le petit ami d'une jeune femme encore méconnue ; Madonna. Il sera également très proche d'Andy Warhol avec qui il réalisera plusieurs projets.
Basquiat meurt en août 1988, à l'âge de 27 ans, d'une overdose.

Chuck Close

Ce portrait de "Mark" a été réalisé par Charles Thomas "Chuck" Close (Américain, 5 Juillet 1940) en 14 mois, entre 1978 et 1979. Le style hyperréaliste de cette peinture a l'huile est crée par l'application de couches par un pistolet vaporisateur de peinture (airbrush). Close se sert de photographies qu'il reproduit en imitant l'impression couleur CMYK à une échelle gigantesque en utilisant une grille et en peignant chaque cellule séparemment.
Chuck Close perd son père à l'àge de 11 ans. La plupart de ses travaux sont alors des portraits de sa famille, de ses amis ou d'autres artistes.
Il devient professeur d'art a l'université du Massachusetts. En 1967, il abandonne ses pinceaux ; expliquant : "J'ai jeté mes pinceaux. J'ai décidé de faire des choses pour lesquelles je n'avais aucune facilité ou predisposition. Si vous vous imposez de faire quelque chose que vous n'avez encore jamais fait, cela va vous pousser où vous n'êtes encore jamais allé".
En décembre 1988, il souffre d'une étrange douleur dans la poitrine alors qu 'il se trouve a une cérémonie d'artistes locaux de New York. Une fellure de la colonne vertébrale le laissera paralysé. Chuck continue malgré tout à peindre grace a un pinceau qu'il scotche a son poignet.

Gotlib

Gotlib (Marcel Gotlieb de son vrai nom) est un dessinateur de Bandes dessinées à l’humour « glacé et sophistiqué » né à Paris le 14 juillet 1934.

Sa passion du dessin débute très tôt. Tout jeune il peignait sur les murs de l’appartement familial des graffitis que son père nettoyait chaque dimanche. « Mes gravures rupestres disparaissaient comme par magie, et je disposais toujours de surfaces bien propre pour recommencer à tout dégueulasser ».

En 1962 il est engagé chez « Vaillant » et crée la série Nanar et Jujube, où Gai Luron va par la suite devenir le héros de sa célèbre série Gai Luron.

En 1965 il travaille avec Goscinny pour la revue « Pilote » sur la série des Dingodossiers, ce qui le mènera tout droit aux Rubrique-à-Brac crées en 1968 et devenue mythique. C’est la qu’il deviendra connu.

En 1972, il lance la revue « L’écho des Savanes » avec Bretécher et Mandryka.

La même année, il crée avec jacques Lob Superdupont. Superdupont est une parodie de super-héros. Fils du Soldat inconnu, il est ultra-patriote, voire chauvin, et doté de super-pouvoirs qui lui permettent de remplir sa difficile mission : défendre son pays contre l'Anti-France, une sorte de mouvement sectaire et terroriste dont l'unique but est de détruire le pays des Droits de l’homme. Ce personnage tourne en ridicule la paranoïa et la xénophobie de certains Français qui considèrent l'étranger et l'inconnu comme une menace pour la France

En 1975 il crée « Fluide Glacial » où commencent les aventures de Pervers Pépère, est un honorable vieillard doté d'une vigueur et d'une sexualité très imaginative

Dans les années 90, il réalise pour Canal+ une série d’animation culturelle ou il met en scène sa célèbre coccinelle de la Rubrique-à-Brac avec des œuvres d’arts mondialement connues.